OLAVIDE, GONZALO DE (1934- ) 55

Un músico especialmente interesante y refinado es el madrileño Gonzalo de Olavide (1934), que estudió en su ciudad natal con Echevarría y más tarde con Souris, Stockhausen y Posseur. Olavide reside desde 1966 en Ginebra sin perder contacto, siquiera sea intermitente, con la vida musical española. Pese a ello no se le ha valorado en la medida que su gran talento creativo merece hasta hace pocos años.

Ya sus inicios compositivos muestran un interesante "Triludio" (1962). Con "Índices" (1964) realiza un brillante ejercicio de investigación en el grafismo no pentagramático, consiguiendo al mismo tiempo un gran control y una obra siempre sugerente en cualquiera de las muchas formaciones instrumentales en que se puede realiza. "Composición I" (1963) o "Sistemas II" (1967), ambas para conjunto, muestran una rigurosa construcción de raíz serial. "En siete límites" (1967), para siete instrumentos, va tomando posiciones muy personales con un aliento poético de fondo. "4 sons" (1968), para cuarteto y electrónica, y los "Cuarteto nº1" y "Cuarteto nº2" (1969 y 1972), que más tarde se completarán con un tercero (1977), son muestra de su fino trabajo con las cuerdas y de su sentido de la forma expresiva.

Con la obra orquestal "Sine Die" (1972), Olavide logra un modelo de expresión constructiva muy hermoso y da un importante salto cualitativo en su música. No en vano se trata de una de las composiciones orquestales más apreciadas de los últimos años. Estas nuevas perspectivas las lleva a la música de cámara en "Quasi una cadenza" (1973). Las obras posteriores de Olavide van decantando aún más el rigor y la pureza creativas de un músico singular. "Prosa" (1974), para metales, y "Sinfonía (Homenaje a Falla)" (1976), donde se va decantando el rigor y la pureza creativa de un músico singular hasta llegar a la libertad de realización y hermoso contenido de "Cante" (1979), para coro y orquesta, escrito a la memoria de García Lorca. "Elan" (1981), para conjunto, y la "Oda" (1982), para barítono y cuerda, dan paso a una obra muy refinada como es "Estigma" (1982, revisión de 1983), para coro y orquesta con cuarteto solista. Se trata de una obra importante que sin duda preludia ya la fuerza expresiva de "El quinto himno de la desesperanza" (1984), para orquesta y sintetizador. Con "Capricho de la extravagancia" (1986), una espléndida obra para conjunto, culmina por ahora la obra de uno de los músicos mejor dotados y más creativos de su generación. En 1987 obtuvo el Premio Nacional de Música.

Ha escrito una obra para acordeón solo:

"Vol" estrenada en el "Festival de Alicante" de 1998 por Ángel Luis Castaño.

ORTUZAR,  JORGE DE (1949-1997) 56

Fue crítico musical de "El Norte de Castilla".

Ha escrito una obra para acordeón y piano:

"Astro-Nauta Piazzolla", fue estrenada "Teatro Juan Bravo" de Segovia",  interpretada por Angel Luis Castaño, acordeón y José Ramón Alonso,  piano; en un concierto organizado por el Conservatorio de Música de Segovia. 

Es un homenaje al que el compositor considera uno de los grandes maestros del siglo XX. La pieza, compuesta por un tango (Astro Piazzolla) y una milonga (Nauta Piazzolla) de corte clásico -dentro de esta estructura discurre el lenguaje más piazzolliano- surgió a raíz de la profunda impresión que le produjo al compositor la muerte de uno de sus músicos-mito. Sin embargo "Astro-Nauta Piazzolla" -un juego entre el nombre y la visión que tiene del nombrado- no es una pieza necrológica, sino todo lo contrario. Lo más destacable en su composición es el sabio manejo de los contrastes: el paso certero de momentos vitalistas, fuertes, a aquellos en que la música es melancólica, melancólicamente porteña, evocadora de una ciudad que ha sido fuente de inspiración de tantos escritores, además de músicos.

OTAEGUI, MARCELINO 57

Ha dedicado casi toda su vida a la pedagogía del acordeón en Pamplona, lo que le apartó un poco de la interpretación, aunque destacó como acordeonista actuando en TVE, Radio España, Radio Continental, Radio Andorra,... También hizo transcripciones de obras clásicas y compuso algunas obras, siempre para acordeón de bajos standard, de las cuales las más destacada es:

"Mariposa Astuta" (ranchera mazurka): "esta obrita está inspirada en el vuelo caprichoso de la mariposa, que revolotea de flor en flor, aspirando su delicioso néctar en continuo ir y venir de su efímera vida. Comienza la partitura en compás de tres por cuatro, en LaM, a tempo de "Allegretto", con un expresivo giro melódico de la mano izquierda, sustentado por el movimiento rítmico de la derecha, intensificándose hasta pasar a un periodo "piano" vibrante en tresillos, que culmina en un "forte" brillante, adornado de trémolos decisivos que resuelven la tonalidad. Salta luego al tema primero, que enlaza a un pequeño y rítmico puente en "forte", que nos lleva al segundo tema variante, en Re mayor, de ondulantes tresillos, hasta el fin de la composición"

OTXOTORENA ELIZEGI, JOSUNE (1971- ) 58

Natural de Hernani, Guipúzcoa, comenzó sus estudios musicales a los seis años con M. Bikondoa, quien sería  su profesor durante toda su carrera. Obtuvo los títulos Superiores de Acordeón, Composición, Solfeo y Teoría de la Música, Dirección de Coros y el de profesora de Piano en el Conservatorio Superior de San Sebastián, donde también cursó estudios de viola. Amplió estudios con V. Semionov y participó en cursos de perfeccionamiento dirigidos por M. Ellegaard y R. Galliano, así como otros de crítica musical y de didáctica de la educación musical.

Ha actuado como concertista en diversos auditorios de EE.UU. y de numerosas ciudades europeas (Italia, Alemania, Francia, Portugal, Rusia). Ha sido galardonada con diversas distinciones,  entre las  que cabe destacar el primer premio en el Certamen Nacional de acordeón en  los años 1988, 1990 y 1991, y en el Certamen Internacional Reina Sofía de 1983, 1984, 1987 y 1988, y el segundo premio en el Trofeo Mundial de Acordeón de la C.M.A (Italia 1992) y en el Certamen Internacional de Cherepovets (Rusia 1994), resultando además finalista en el Certamen Internacional de Kansas City (EE.UU.) de 1990.

Obtuvo por oposición plaza de profesora de acordeón en los Conservatorio Superiores J.C. Arriaga de Bilbao y Real Conservatorio Superior de Madrid en 1991. Desde 1993 hasta 2002 desarrolla su labor didáctica en el Conservatorio Arturo Soria de Madrid. Actualmente imparte su enseñanza en el departamento de composición del Centro Superior de Estudios Musicales del País Vasco. Es además profesora asociada de la Universidad de Navarra desde 2001, y dirige el coro y los grupos instrumentales de Cámara de la Escuela Superior de Ingenieros de San Sebastián. Ha impartido también diversos cursos de verano de carácter internacional y conferencias en centros de enseñanza. Ha colaborado en varios conciertos con la Orquesta de RTVE y otros programas de TV y radio de diferentes países.

Algunas de sus composiciones forman parte de los programas oficiales de varios conservatorios españoles, y son, muchas de ellas, obras enraizadas en el acervo musical del folklore vasco.

  Ha escrito varias obras para acordeón:

"Amalur". Fue compuesta en 1991 para ser estrenada por la propia autora en el Trofeo Mundial de Acordeón celebrado en  Sachsenheim (Alemania) en Octubre de 1991.

En los cuatro movimientos de Ama Lur puede observarse una gran influencia del folklore vasco; de hecho en los dos primeros movimientos puede escucharse una melodía popular.

En el primer movimiento, movido y lleno de vida, se puede escuchar una "ezpatadantza" a ritmo de 3/4 – 6/8. En el segundo movimiento podemos oír una canción vasca. En principio sólo una célula motívica que irá desarrollándose hasta que en el clímax se oiga la melodía completa. El tercer tiempo es un Scherzo marcadamente virtuosístico. El cuarto tiempo tiene como origen una melodía rescatada del recuerdo familiar, que sufrirá distintas modificaciones y variaciones hasta llegar a un final apoteósico y espectacular.

Duración aproximada:  14`05`` (1º movimiento 2’45", 2º movimiento 4’20", 3º movimiento 3’05" y 4º movimiento 3’55")

Es interpretada como parte del programa oficial de varios conservatorios.

"Euskal deia", para Fantasía para acordeón solo.

"Otoitza", Fantasía para acordeón solo.

"Amets", para acordeón solo.

"7 Maitatzeko une", Suite para acordeón solo, Movimientos: Itxaroten, Kukua goizean, Ilusioa, Prestaketa, Kezka, Festa e Itxaroteko unea.

"Aralarreko Oihartzunak", de 1996, para orquesta de acordeones.

"Ipuin Harrigarriak", para acordeón y quinteto de madera.

PABLO, LUIS DE (1930- ) 59

Luis de Pablo nació en Bilbao el 28 de enero de 1930. Sus estudios musicales se inician en Hondarribia y prosiguen en Madrid de una manera privada que simultanea con sus estudios de Derecho (ejerció varios años en la compañía Iberia). El ejemplo del compositor francés Jean-Etienne Marie y los consejos del discípulo de Schönberg, Max Deutsch, serán importantes en su formación. Desde el principio de su carrera se muestra como un autor investigativo y deseoso de renovación, no sólo con su música sino como escritor y organizador. Participa en la fundación del Grupo Nueva Música en 1958, año en el que inicia una importante labor teórica en la revista "Acento". En 1959 funda el ciclo "Tiempo y Música", que será vital en el mundo musical de la época. En 1964 crea la Bienal de Música Contemporánea de Madrid (solo se celebró una vez, pero fue importante y dio cita a numerosos compositores y críticos internacionales), y en 1965 "Alea", que continúa la labor de "Tiempo y Música"; así como, en 1972, los Encuentros de Pamplona, que fueron una gran muestra no sólo de la música, sino del más avanzado arte contemporáneo. Residió un año en Berlín y en 1973-1974 fue profesor de composición en Buffalo (USA), continuando de 1974 a 1976 en la Universidad de Ottawa. De 1983 a 1985 fue director del embrionario Centro para la Difusión de la Música Contemporánea. En la actualidad enseña en el Conservatorio de Madrid, compaginando esa actividad con un ininterrumpido trabajo compositivo y una actividad internacional que desde hace mucho es una de las más importantes de la música española.

Como ocurre con todos los compositores de su generación, los comienzos son dentro de una tradición que se intenta romper, (por ejemplo "Gárgolas" de 1953 para piano), dentro de una explotación de las consecuencias bartokianas y un atonalismo que preludia el serialismo. Las "Cinco canciones de Antonio Machado" (1957) que culminan este período.

En "Móvil 1" (1959), para dos pianos, inicia las técnicas aleatorias que se continúan en "Progressus" (1959) para los mismos elementos.

Estos comienzos investigativos serán importantes, no sólo para su propia carrera, sino porque, en cierto modo, obligan a su propia generación a acelerar un proceso evolutivo que él siente como nadie que no podía ser lento si se quería recuperar las etapas perdidas y llegar hasta un momento en que la asimilación estuviera conseguida y se pudiera lanzar por vías propias. Es entonces cuando surge una obra clave, "Radial" (1960), para veinticuatro instrumentos, obra atractiva basada en una búsqueda estructural de carácter tímbrico y obras como el "Libro para el pianista" (1961), "Glosa"(1961), experiencias que culminan en otra obra clave desde el punto de vista de la creación de nuevas formas, "Polar" (1962), para conjunto.

Tras un cierto expresionismo de nuevo cuño en "Ein Wort" (1965), para voz e instrumentos sobre textos de Gottfried Benn, Luis de Pablo entrará en una etapa en la que descubre un procedimiento propio de articulación formal, los módulos, entendidos como unidades cerradas de significación expresiva autónoma, capaces de combinarse entre sí en una macroestructura que puede ser fija o móvil.            

Se acerca a la música electroacústica en varias piezas amplias con materiales elaborados de muy diversa procedencia, como en  "We" (1970), "Tamaño natural" (1970), "Soledad interrumpida" (1971), "Historia natural" (1972), la obra coral "Yo lo vi" (1970) o "La libertad sonríe" (1971).

Con "Oriotaldi" (1971) llegamos a una obra orquestal de envergadura, en la que la habitual violencia de las grandes piezas de De Pablo se sustituye por un ambiente más calmo y un nuevo concepto de la belleza sonora.

Con "Al son que tocan" (1975), para conjunto vocal, instrumental y cinta sobre textos de Antonio Machado, se inicia una serie de obras de vastas proporciones y singulares resultados, como "Portrait imaginé" (1975) para voces, instrumentos y cintas magnéticas, que resumen su estado anímico y cultural ante la experiencia canadiense.

Por su parte, "Zurezko Olerkiak" (1975) para txalaparta, percusión y voces, es un vasto fresco sobre elementos musicales de la cultura vasca (no olvidemos que el autor es bilbaino) que demuestra cómo la experiencia anterior sobre autores del pasado o música de otras culturas es válida para transfigurar con espíritu creativo una cultura vernácula sin encenagarse en un nacionalismo superficial. "Chamán" (1976) es una obra electroacústica también muy amplia sobre elementos del mundo mágico en las culturas primitivas.

Sonoramente, se ha hablado a partir de ahí de un "período rosa" en el autor. Pero no habría que malentenderlo, puesto que no es el resultado de ninguna concesión, sino de una profunda reflexión creativa que no invalida ninguna etapa anterior ni, posiblemente, futura. Obras como "Trío" (1978) para cuerda, "Concierto para piano nº1" (1979), "Concierto para piano nº2, per a Mompou" (1979) y "Sonidos de la guerra" (1980),  son buen ejemplo de este periodo.

Pero el trabajo reciente más espectacular es la ópera "Kiu" (1981) sobre texto de Alfonso Vallejo (el original teatral se llama "El cero transparente"). Con "Kiu" De Pablo logra un rotundo éxito y un nuevo camino para la ópera española. Tanto su sistema vocal como su disposición orquestal y su desarrollo dramático convierten a la obra en un hito de la ópera moderna y una obra que tendrá una influencia aplastante sobre el futuro, como de hecho ya empieza a suceder. De Pablo ha demostrado sus dotes para la escena, esbozadas ya en pequeñas obras, pero eclosionadas aquí en una verdadera, auténtica y nueva ópera de primera importancia. En 1988 escribió su segunda ópera, "El viajero indiscreto", sobre texto de Vicente Molina Foix.

La obra de Luis de Pablo es muy numerosa, tanto que algunas de las mencionadas no se han estrenado aún en España, y posee un vasto crédito internacional. Se trata de un autor que nunca ha dejado de plantearse la música como una actividad de investigación y hallazgo, como una creación pura en la que caben todos los aspectos de la cultura y el pensamiento. Verdadero intelectual, sus ideas y palabras tienen un gran valor al estar respaldadas por una obra en la que se ponen en práctica. Habría que mencionar también su dedicación a la música cinematográfica (además de otras películas, recordaremos que durante años es el músico de las de Carlos Saura y que incluso aparece como organista en una secuencia de "El jardín de las delicias"), en la que teniendo en cuenta su carácter de música aplicad, ha sabido mantener una línea hasta cierto punto experimental. Sin embargo, abandonó hace unos años el cine para concentrarse en la creación pura.

El papel jugado por De Pablo en la Generación del 51 es de excepcional importancia. Primero con su obra, luego con su actividad y su carácter, pero también como bullidor, organizador, inventor de ideas y de realizaciones, constituyéndose en uno de los principales animadores de toda una época de nuestra historia musical.

"Tango", de 1991, original para piano, es la tercera pieza de la suite "Retratos y transcripciones. Es una obra nacida a sugerencia de Yvar Mikhashoff y que fue el origen de la pieza del mismo título contenido en J.H. para clarinete y violonchelo, posteriormente adaptada para acordeón, con el permiso del autor, en 1996por el acordeonista italiano Claudio Jacomucci. El trabajo que hace De Pablo se distingue por el tratamiento rítmico, dejando muy al margen el aspecto más amable del género, esto es, lo melódico. Los incisos rítmicos, los cambios de acentuación  métrica y una armonía fuera del ámbito tonal suponen que la obra sea todo un trabajo de transfiguración del tango, alejándose de los planteamientos de Piazzolla, donde lo popular y "académico" se unen de una forma muy particular. La versión para acordeón  ha sido interpretada en muchos lugares, entre ellos, como obligada del "Concurso Internacional de acordeón Villa de Arrasate". También ha sido grabada es disco por el sello discográfico de Juventudes Musicales de España en interpretación de Iñaki Alberdi y por Francisco Javier López Jaso en el disco "Sensaciones" para la discográfica ZETA en 2002. Su duración aproximada es de 2`57``.

PADRÓS, JAIME (1926- ) 60

Jaime Padrós y Monturiol, nació en Igualada (Barcelona) el 26 de Agosto de 1926. Tercer hijo de una familia de cinco, visitó la escuela Montessori, donde tuvo la oportunidad de recibir clases de música (un privilegio para la época), primer contacto que le llevaría al conservatorio vecino a la escuela con ocho años de edad. Acabada la Guerra Civil acude al Monasterio de Montserrat, donde dedicaría, como cantor, todo su tiempo a la música, bajo la minuciosa organización de su maestro David Pujol, Maestro de Capilla de la Escolanía. En 1942 ingresa en el Conservatorio del Liceo de Barcelona y asiste a la Academia de Frank Marshall, discípulo de Granados, quien sería su profesor de piano. Alicia de Larrocha, también profesora suya, estrenaría en 1949 "Preludio y Danza". En 1947, a los 21 años, comienza como profesor de piano en la Academia Marshall. En 1954 se convertiría en el primer intérprete en España de la Nueva Escuela de Viena (Schönberg, Berg, Webern), gracias al mecenas Josep Bertomeu.

En la década de los 50 estuvo ligado como compositor al Círculo Manuel de Falla.

En 1952 compone "Fantasía de circo" una de sus obras orquestales más significativas. En la música vocal señalaremos "Tankas del somni" (1951) y "Dos canciones de García Lorca", como sus obras más interesantes de ese periodo.

Había estudiado composición con Barberá y Taltabull. En 1955 una beca le lleva a París a estudiar con Darius Milhaud, después de haber representado a las Juventudes Musicales de Barcelona en Bayreuth. "Spiegelbilder (Retroversiones)" (1954) título que más tarde cambiado por el de "Sonata", que Padrós considera su Opus 1, fue galardonada en el Concurso de Composición de las Juventudes Musicales de Barcelona de 1954 y concluye su periodo de creaciones de juventud. Con la "Sonata", se presenta a Milhaud. El crítico Volker Scherliess, biógrafo de Alban Berg e Igor Stravinsky, diría de la "Sonata" que "... ha recibido impulsos de las más distintas corrientes, sin depender de una dirección preestablecida, sino que encuentra su propio lenguaje".

En 1957 compone dos de sus obras más conocidas para piano "Zapateado" para el bailarín José Udaeta, largo tiempo interpretado por todo el mundo y "Estudio y sardana".

Padrós crea, a partir del contacto con la Nueva Escuela de Viena, su propio estilo, económico en medios, sin llegar a alcanzar la drástica afirmación de Adolf Loos de que el "ornamento es delito" ("Ornamento y delito", 1908). Renate Schluz afirma, en su investigación sobre Jaime Padrós, la individualidad de estilo de nuestro compositor. En 1964 Jaime Padrós obtiene una cátedra para piano en el Conservatorio Superior de Música de Trossingen.

El "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías", de Federico García Lorca, le inspiraría en 1979 un ballet para dos pianos, guitarra y percusión. Ya en 1957 el compositor había compuesto el "Zapateado".

El folklore es fuente importante de inspiración y de obtención de materiales para Padrós, a la vez que la Naturaleza me exigía inventar con música lo que hablan los sapos en los Nocturnos de la ventana, de Federico Gª Lorca. La serenidad del silencio de esa noche, recreada por el compositor, la han percibido también mis estudiantes de la Universidad Lüneburg en un ejercicio que combinaba literatura y música, Lorca y Padrós.

Al comienzo de la década de los años 70 escuchó por primera vez el acordeón de las manos del músico Hugo Noth, profesor del mismo conservatorio, donde él impartía sus clases (Trossingen): "Quedé sorprendido, nunca pensé que el instrumento pudiera sonar con tal nobleza. Un instrumento puede estar unido a una cierta tradición, pensaba, y cambié de opinión cuando Hugo Noth tocó para nosotros: Las posibilidades del acordeón son inmensas, capaz de emitir un sonido delicado, original y sútil. Pero hay que saber tratar al instrumento, porque los bajos pueden estropear fácilmente su transparencia.".

Jaime Padrós es nombrado en el libro de Gervasoni (donde es colocado por error como compositor alemán) y en el RIM (lista de repertorio).

Escribió              multitud de obras utilizando el acordeón, estrenadas todas ellas por Hugo Noth:

"Sechs Variationen (6 Variaciones)". Para acordeón solo. Editada en BARCH en 1960 (según el libro "RIM, repertoire lists", aunque según el artículo que Pablo Martínez Calleja escribió en "Acordeón siglo XXI nº18", Padrós conoció el acordeón hasta principios de los 70). Duración aproximada: 5`.

"...Uber das Schöne und Passende (... sobre lo hermoso y lo apropiado)" (1973), inspirado en las confesiones de San Agustín. Para Voz, acordeón, piano, cémbalo y 2 percusionistas. Editado en BARCH en 1974.

 "Nocturnos de la ventana" para oboe, clarinete, bassoon y acordeón. Editado por BARCH en 1973.

"Serenata" (1974) para acordeón, chelo y flauta. Editada en BARCH en 1974.

"Chacona" (1976) para acordeón solo. Editada en BARCH en 1976. Duración aproximada 4`15``.

"Planctus" (compuesta en 1977, según Pablo Álvarez Calleja) (para dos guitarras y acordeón), es una obra en la que la inspiración fluye a través de la capacidad de observación y la delicada atención que Padrós prodiga a todo lo que mira. Está inspirada por un sepulcro gótico que muestra alas plañideras. Tiene la enorme posibilidad de que puede ser coreografiada como obra de ballet. Editado por BARCH en 1976 (según el RIM Repertoire lists).

"Polyeder" (1978), para acordeón y trío de cuerda. Editado por BARCH en 1978.

"Policromías" (1980) para acordeón y piano. "Al escuchar la "Pequeña Misa Solemne" de Rossini para piano, armonio, coro y solistas, me convencí de la posibilidad de combinar los dos instrumentos: el armonio (o acordeón) y el piano. Llamé inmediatamente a Hugo Noth para decirle que iba a componer "Policromías" para acordeón y piano. Editado por Hohner en 1981.

"Trama Concéntrica" (1982), para acordeón solo. Editada en BARCH. Duración aproximada (8`15``). Ya ha sido interpretada en el País Vasco.

"Trilogía Breve" (1983), para acordeón sólo. Editada por BARCH.

"Paseo y Contradanza" (1985) para acordeón y cello. Editado por BARCH. Grabada en el doble vinilo "Hamann, violonchelo · Hugo Noth, akkordeon", por estos dos intérpretes. La obra tiene dos partes bien diferenciadas: el paseo y la contradanza. El paseo funciona como una amable introducción, que podría ser comparada con los ejercicios de un bailarín antes de la actuación. Luego en la Contradanza, los dos instrumentos se alejan uno del otro, emergen y entonces se vuelven a separar otra vez. Mientras, una de las voces continúa alejándose, acelerando el ritmo, mientras la otra sigue con su propio ritmo libre con carácter improvisatorio.

"Epígrafes sonorizados" (1986)

"Cancionero del lugar. Melodías populares" (1991)

"Breviari rural" (1991)

"Azulejos" (1995)

PARRA JESÚS (1983- ) 61

Nació en Valdestillas (Valladolid) el 10 de Septiembre de 1983. En el 2001 acabó sus estudios de Grado Medio de acordeón en el "Centro de Estudios Musicales Alfonso X" de Valladolid con el profesor Tadeusz Walicki.

Ha logrado galardones como el 1º premio en el "Concurso internacional de Cantabria" 2000 (Torrelavega), como integrante de la Alfonso X Ensemble dirigida por Gorka Hermosa, con la que dado conciertos en Valladolid (en la Universidad de Valladolid en beneficio de Médicos sin fronteras y varias veces en el Auditorio del C.E.M. Alfonso X), Medina del Campo (acompañando al coro de Medina del Campo en su X aniversario), Olmos de Esgueva (Valladolid), Castronuevo de Esgueva (Valladolid), Olmo de la Guareña (Zamora),...

Ha escrito una pieza para acordeón de bajos standard.

"Valse"    (2002). "Está dedicado a una persona muy especial: María José, pues se refiere al amor de esa mujer". Fue compuesta con motivo del examen de Junio de 1º de Fundamentos de composición (con Gorka Hermosa como profesor), donde debían presentar una composición libre y con la que obtuvo la calificación de sobresaliente.

Es un vals muy sencillo y de una estructura muy básica, con un claro carácter pedagógico. En él se refleja muy bien la personalidad de esa mujer, con gran carácter y un gran atractivo físico, que se refleja en lo bonito que es el vals.

Su duración aproximada es de un minuto y medio y el nivel de dificultad adecuado para los primeros cursos de Grado Elemental LOGSE. Fue obra obligada en el "Festival Guipuzcoano de acordeón 2003" y del "Concurso Internacional de Torrelavega 2003". Fue editada por HAUSPOZ en el 2002.

PEÑA, IÑIGO (1966- ) 62

        Nació el 23 de Febrero de 1966 en Donostia. Es Profesor Superior de Acordeón, Armonía, Contrapunto, Fuga, Composición e instrumentación por el Conservatorio Superior de Donostia. Ha realizado cursos de composición, con Gotzon Aulestia, Jesús Mª Alberdi, Adolfo Nuñez, Miguel Martínez y Bertrand Dubedout, así como cursos de Jazz con Iñaki Salvador (4 años), además de realizar cursos con Alberto Lizarralde, Patri Goialde y Sorkunde Idigoras. Ha perfeccionado sus estudios de acordeón con Friedrich Lips (3 años), además de con Viatcheslav Semionov, Christinne Rossi y Alexander Schmykov.

Es fundador y compositor del grupo de jazz-fusion "Unhe", en el que toca el acordeón, la trikitixa, el piano y el sintetizador.

Desde 1989 es profesor de acordeón, conjunto instrumental, armonía y Lenguaje musical en la "Escuela Municipal de Música de Lasarte-Oria" (Gipuzkoa), de la cual es director desde 1999. Actualmente también es profesor sustituto de contrapunto y análisis en el Conservatorio Superior de Donostia.

Ha escrito tres obras utilizando el acordeón:

"Jazz Uneak". Es una colección de piezas con el jazz como eje vertebrador, en el que el compositor ha agrupado algunas de sus composiciones para acordeón solo, entre las que se encuentran: obras ya difundidas como "Ipar Haizea" o "Waltz"

Ipar Haizea" (Viento del Norte). Fue compuesta en diciembre de 1993 y estrenada el 30 de noviembre de 1997 al ser la obra obligada de la categoría Junior del "Certamen Guipuzcoano de acordeón". Nace del deseo del compositor de escribir obras de carácter pedagógico. "El viento del norte despierta me produce una sensación de melancolía, que queda plasmada en el tema principal de la obra, aunque con importantes diferencias a lo largo de la obra. El título viene dado por el carácter de los temas principales de la obra. El tema de carácter claramente modal, aparece en la mano derecha, ocultado en un ritmo de tresillos, durante toda la primera sección. Un segundo tema en contrapunto con este mismo, aparece en la mano izquierda (en bajos sueltos), con un aire mucho más sincopado. Ambos se entremezclan hasta la explosión rítmica de la segunda sección, en la cual un tema mucho más marcado, hace aparición en la mano derecha, con un acompañamiento rítmico a modo de jazz, recordándonos al tema que anteriormente había aparecido en la mano izquierda. Este carácter se mantiene prácticamente durante toda la sección, con un nuevo tema desarrollado del primer tema que nos lleva a la cadencia final de esta sección, tras el cual empieza la tercera sección, con un tema aparentemente nuevo, si bien es heredado del primero, acompañado por un motivo rítmico de corcheas, que nos llevará a la reexposición final. Una coda, desarrollando el motivo principal da lugar al final de la obra. En esta obra, he querido desarrollar la independencia de ambas manos, en bastantes momentos de la misma. Además la diferencia de carácter de los diversos temas, son de gran importancia para su correcta interpretación". Su duración es de 4`12`` y el grado de dificultad de 3º de Grado Medio LOGSE.

"Waltz", fue la obra obligada en la categoría infantil del "Certamen Guipuzcoano de acordeón del 2001. Es un vals con estructura clásica y lenguaje de jazz de un nivel de 4º de Grado elemental LOGSE, aproximadamente. Su duración es de unos 3 minutos.

"Euskal Suite" (Suite vasca), es una obra concebida en principio para orquesta sinfónica en 1993 y adaptada para orquesta de acordeones por el compositor en 1996, debido a un encargo de la "Orquesta de acordeones Zero-Sette" de Lasarte-Oria (Gipuzkoa), dirigida por Elías Goikouria para su 10 aniversario. Finalmente se estrenó el 10 de enero de 1997 en el Auditorio de la Casa de Cultura Manuel Lekuona de Lasarte-Oria.

"Es una obra ambientada en motivos populares, aunque todos originales del autor. Consta de 4 movimientos: I : Aurkezpena, II (Presentación): Negu Kanta (Canción de Invierno), III: Ametsetan (Soñando) y IV: Dantza eta agurra (Danza y despedida). "Euskal Suite quiere ser una obra de corte popular, pero con carácter concertante, e intentando tratar los temas de una forma original, dentro de su tradicionalidad musical. Los dos primeros movimientos se interpretan sin parada.

En "Aurkezpena", se presentan la mayoría de los temas que van a ser desarrollados en el resto de la obra. Sin embargo el tema principal, de carácter modal (dórico) y con el que se inicia la obra, goza de gran independencia y no va a ser transformado a lo largo de toda la Suite. Aparecen otros temas intercalados con el principal, creando grandes contrastes, sobretodo al aparecer el ritmo de Zortziko, que aunque no va a aparecer otra vez, es el que hace la labor de enlace entre los dos primeros movimientos.

El segundo movimiento, "Negu kanta", quiere expresar contrastes, como los que a lo largo de la historia ha vivido Euskadi, con sus logros y problemas de todo tipo. Comienza con un tiempo "frenético", muy alegre, a modo de danza y con un tema que ya ha sido presentado en el primer movimiento. Este ritmo, con carácter tonal aunque recuerda a la música tonal en algunos momentos, se mantiene durante toda esta parte, apareciendo en contraste un tema central más melódico. La alegría de esta parte puede parecer contradictoria con el título, pero para mí el invierno no tiene porque ser triste.

El tercer movimiento "Ametsetan" quiere trasmitir sobretodo sensibilidad. Está dividido en tres secciones, la primera de las cuales es una introducción que ha sido ya presentada en el primer movimiento, seguido por un tema que aún no había aparecido, de un carácter melódico, que recuerda a las canciones populares vascas, aunque armonizado con otro carácter. En la segunda sección el ritmo es ligeramente más rápido y la armonía pretende crear más tensión en el oyente. La tercera sección recuerda a la primera, pero con variantes, llevándonos hasta la coda final, que suavemente va terminando hasta morir poco a poco.

El movimiento final "Dantza eta agurra" es la culminación de la obra, y su título viene dado por el ritmo de danza de la primera sección; la segunda intenta ser un saludo alegre, que al final quiere retomar la solemnidad del tema generatriz de la obra, ayudado por el tutti orquestal, con txalaparta e incluso campanas. Rítmicamente es el más desarrollado, sobretodo la primera parte ("Dantza"), que consta de dos temas principales: el primero alegre a ritmo de "Ezpatadantza", desarrollado de forma politonal, con pedales armónicos, en contraste con la segunda parte, más tranquilo, cantabile y más austero armónicamente, a ritmo ternario. La unión entre las dos secciones de este movimiento la realiza la Txalaparta, que aparecerá luego también como acompañamiento rítmico, sobretodo al final. La segunda sección ("Agurra"), es de carácter alegre y quiere ser una culminación de toda la obra, por lo que la coda de esta parte tiene un carácter fuerte y en ella aparecen elementos ya aparecidos anteriormente. Destaca también la aparición del tema del principio sin variantes y en fortisimo".

Su duración aproximada es de 24`30``. Está editada en HAUSPOZ.

"Irudiak" (Imágenes) es una obra para orquesta de acordeones, escrita en 1997 por encargo de la "Semana Musical de Pasai Antxo" (Gipuzkoa). Se estrenó el 28 de noviembre de 1997 en la Parroquia de Pasai Antxo, por la "Orquesta de acordeones Txanpa" de Hondarribia (Gipuzkoa) dirigida por Iñaki Alberdi.

"Es una obra que no obedece a una forma concreta preestablecida, nace de las vivencias que tuve en un viaje por Francia en 1997. Las imágenes vienen dadas por los diferentes temas que aparecen con diferentes caracteres en el transcurso de la obra. Así el amanecer, viene dado por el tema de la introducción, el cual tras empezar poco a poco por medio de notas tenidas, desemboca en un "dolce" con el que el compositor quiere dejar plasmada esta sensación. Tras esta imagen, aparece el viaje propiamente dicho, durante el cual tuve diferentes sensaciones emocionales: expectación, emoción, ansiedad, temor,... sensaciones que van apareciendo poco a poco, aunque el tema del viaje, aparece prácticamente en toda la obra. Las sensaciones las plasmo en los caracteres de los temas, así el carácter alegre del primero, contrasta con el misterioso del segundo tema (a modo de vals), con el enérgico del  tema de transición, o con los temas rítmicos y danzantes con el que nos lleva a la reexposición final. El viaje llega a su culminación en la última parte de la obra, donde superpongo los dos temas principales, a modo de resumen de toda la obra. Es así como acaba dejando una sensación de confusión entre ambos temas, como un resumen de todas las imágenes que poco a poco se han ido percibiendo durante toda la obra. Armónicamente, es una obra de carácter modal-tonal, si bien no al modo tradicional.

Al igual que en "Euskal Suite", el carácter euskaldun aparece en algunos momentos (tema introducción), aunque no es la base musical de la obra". Su duración aproximada es de 9`15``.

PÉREZ GARCÍA, CELESTINO 63

Crea sobre el año 1880 lo que él denomina "Escuela de Acordeón sistema alemán". Acérrimo defensor del instrumento, elabora numerosos métodos para acordeón, de entre los que podemos destacar el "Suplemento al Método Completo para Acordeón" (1890). Dicho suplemento conlleva una "Crónica Acordeonística", donde se realiza una crítica a los diferentes métodos, profesores y modelos de acordeones existentes en esos momentos. Otros métodos creados por él fueron: "Método para acordeón de un teclado",  "Método especial para acordeón de dos teclados, por música y cifra" (versión manuscrita, redactada en Madrid en 1885/86), "Método especial para acordeón de dos teclados por música y cifra" (editado en Madrid en 1885/86, con diferencias con respecto al manuscrito original), "Método especial por nota y cifra para acordeón (El más completo y sencillo para aprender a tocar el acordeón con perfección en poco tiempo sin necesidad de maestro)", editado en Madrid en 1887. También fue autor de la "Colección de 34 piezas por música y cifra para acordeón de uno o dos teclados".

En su "Suplemento al método completo para acordeón sistema alemán y cromático, crónica acordeonística" de 1890 hace una crítica de su "Método para acordeón de un teclado": "Mi "Método para acordeón de un teclado", retirado de la venta por defectuoso. A franco nadie me gana, me obliga a tomar parte en la batuda haciendo mi correspondiente "plancha", que repito, al titularle de "completo" en uno de los párrafos del preámbulo. Pero debo hacer constar, como circunstancia atenuante, que reconocí antes de ahora mi error, según manifiesto en la edición del 1 de Agosto de 1887 que acompaña a cada ejemplar, lo que me hace ser el único entre tantos pecadores, que cumplen su penitencia reconociendo el lapsus cometido, y eso que el mío con el de otros comparado, resulta en tamaño "Lo que el chico camón al huevo de un avestruz" ".

También menciona el "Método por música para acordeón de dos teclados" y el "Gran Método Práctico", después de haber criticado duramente los métodos de Juan Ayné, el "Intrucción Universelle Acordeón Schule", el "Escuela de la harmónica", el "método para acordeón de un teclado" suyo propio, el de Emilio Yebra y Piqué, el de Carlos Salvi, el de Wenceslao Cuevas, el de Juan Requena: "Y no quiero seguir hablando de una cosa que realmente, más que censura, sólo merece la indiferencia que inspira todo aquello que no sirve ni tiene aplicación para nada. Como nuestros lectores han visto, entre los métodos citados los hay malos y peores, pero bueno ninguno. Sentiríamos herir la susceptibilidad de algunos de sus autores, pero guiados sólo por la más estricta imparcialidad, nos concretamos a decir una verdad que ya estaba demostrada. Obligado en esta ocasión a prescindir de la modestia, declaro francamente que los únicos métodos que cumplen en parte el objeto para el que fueron publicados, con cuantos defectos tienen y soy el primero en reconocer, y con todos aquellos que los señores profesores quieran añadirles, son el "Método por música para acordeón de dos teclados" y el "Gran Método Práctico", ambos de un servidor".

Los métodos que más benévolamente trata Celestino en su crítica son el "Método completo y progresivo por Merlín" y el "Método completo" de Antonio López Almagro.

Finaliza la "Crónica acordeonística" diciendo: "Al hacer las apreciaciones generales que anteceden no me ciega la vanidad. Si mi creencia es errónea, a probarlo, aunque ya comprenderán mis lectores lo cuidadosamente que he procurado dar a mi libro una base indestructible en el fondo, y digo sólo en s fondo, porque respecto a su forma, mi pluma no puede ser la de un escritor."

PORTO, IÑIGO 64

 Nació en Pamplona en 1973. Comenzó sus estudios musicales a los 8 años de la mano del acordeonista y pianista José Luis Nuñez. Posteriormente empezó a cursar estudios oficiales de acordeón en el Conservatorio "Luis Morondo" de Barañain con la profesora Mª Antonio González. Simultaneó la carrera de Magisterio en la Universidad Pública de Navarra con los estudios de acordeón, obteniendo respectivamente los títulos de profesor en 1994 y profesor de acordeón en 1995. También estudió la licenciatura de Antropología Social y Cultural en la Universidad del País Vasco.

Su actividad pedagógica le ha llevado a dar clases por varias escuelas de música de Navarra. En el plano de la interpretación musical ha seguido perfeccionándose con el acordeón, el bajo eléctrico, la concertina y la tuba, formando parte y colaborando con numerosas agrupaciones instrumentales de diversos estilos (jazz, tango, folk, rock-fusión,...)

Es autodidacta en gran parte de sus facetas musicales, incluida la labor compositiva, aunque es fácil darse cuenta de sus principales influencias: Astor Piazzolla, el jazz, los músicos cinematográficos y en el caso de sus composiciones para acordeón, Wladislaw Solotarjow fundamentalmente.

Su obra para acordeón incluye composiciones, tanto para el instrumento solista como para pequeños grupos de cámara, transcripciones y combinaciones atípicas (acordeón y tuba, acordeón y concertina,...); haciendo principalmente hincapié en las posibilidades pedagógicas del instrumento.

Sus dos obras más destacadas son:

"Suite para niños nº 1: Los cuentos de brujas". Es una obra compuesta en 1998 que consta de cinco partes.

La primera parte se titula "Mascarada" e ilustra los frenéticos desfiles populares propios de las fiestas carnavalescas.

La segunda parte lleva por título "Amalauzanko" y en ella se describe a este personaje mítico con ayuda de un tema popular.

La tercera parte, "Malleus Maleficarum", tiene como protagonista el carácter diabólico y maléfico atribuido a las brujas caracterizado aquí por un martilleante obstinato rítmico.

La cuarta parte es una bagatela onírica titulada "Atropina".

La obra finaliza con "The Last Travel Of Giulio Griggione" donde de nuevo se recurre a temas populares para describir - de forma cómica - los vuelos de las brujas sobre palos y escobas.

La obra es de estilo moderno – contemporáneo y de una dificultad correspondiente a los últimos cursos de grado medio. Se precisa para ser interpretada acordeón cromático de bajos standard y bassetti. Su duración aproximada es de 9`. Está editada en HAUSPOZ en el 2002.

"Suite para niños nº 2: los libros extraños". Es una obra compuesta en 1999 que consta de cuatro partes. Todas las partes tienen títulos de libros y pretenden trasladarnos en el espacio y en el tiempo. La primera parte se titula "The Golden Bought" (La Rama Dorada) y nos traslada a la Edad Antigua grecorromana mediante una atmósfera báquica y que culmina con la ruptura final de la rama dorada.

En la segunda parte viajamos a las islas de la Melanesia en Oceanía. "Argonauts Of The Western Pacific" (Argonautas Del Pacífico Occidental) ilustra a los esforzados navegantes de aquellas islas atravesando el Océano a remo en sus frágiles canoas.

La tercera parte de la obra "La Pensée Sauvage" (El Pensamiento Salvaje) expresa una ironía. La complejidad rítmica de la pieza corresponde a la relativa complejidad de pensamiento de los denominados injustamente "salvajes" o "primitivos".

La última parte lleva por título "Our Kind" (Nuestra Especie) y es un viaje a la época actual donde las influencias de las partes anteriores, del jazz, o de otras músicas tienen aquí cabida y continuidad.

La obra es de estilo moderno – contemporáneo y de una dificultad correspondiente a los últimos cursos de grado medio. Se precisa para ser interpretada acordeón cromático de bajos standard y bassetti. Duración aproximada 7`. Está editada en Hauspoz en el 2002.

PRECZ, BOGDAN (1960-1996) 65

Nació el 27 de Mayo de 1960 en Myslowice (Silesia, Polonia). Realizó sus estudios de acordeón en el Conservatorio Superior de Música de Katowice, en el cual fue profesor de este instrumento desde 1984 hasta 1987, fecha en que fija su residencia en Madrid, hasta su muerte en 1996.

Desarrolló una intensa actividad como concertista, tanto en solitario como formando parte de grupos de cámara. Actuó como intérprete en Polonia, Cuba, Venezuela, Portugal, España, Andorra, Francia, Italia y Suiza tanto en solitario como con diversas formaciones:

- Como solista, obtuvo el tercer premio en el XXXV Trofeo Mundial de Acordeón celebrado en Caldas de Rainha (Portugal).

- De 1980 a 1987 fue miembro del "Quinteto de acordeones de Silesia", con el cual ganó premios en concursos celebrados en Francia (St. Etienne) e Italia (Castelfidardo);

- En dúo con Krystof Zgraja (flauta)

- En dúo con Antonio Arias (flauta)

- En dúo con Zygmunt Zgraja (armónica)

- Con el cuarteto de cuerda de la Orquesta Nacional de España

- Con la Orquesta Filarmónica de Wroclaw (Polonia)

- Con la Orquesta Filarmónica de Katowice (Polonia)

Realizó grabaciones para diversas radios y televisiones Europeas.

Formó parte del grupo de concertistas que colaboran con la agencia "FUSIC", impulsora en España del movimiento "Live Music Now", creado por Sir Yehudi Menuhin.

Recibió premios de composición como el de Ancona (Italia) o el de Sidney (Australia).

En numerosas ocasiones fue invitado como miembro del jurado en certámenes de acordeón.

Grabó varios discos:

- con la Orquesta Filarmónica de Silesia 

- en dúo con Zygmunt Zgraja (armónica) 

- "Recordando a Fermín Gurbindo", junto con el cuarteto de cuerda (francisco Romo y Jesús Angel León, violines; Emilio Natividad, viola y Luis Miguel Correa, violonchelo) y flauta (antonio Arias) de la O.N.C.E. Disco en el que grabó Fantasía, Suite Safari y la Suite Lauburu de Gurbindo en 1987.

- con el grupo de rock "Sai Channel" 

- "Bogdan Precz Accordion" en 1991 con transcripciones (Bach, Kalatchewski y Wienwski) y composiciones propias (3-3-2, Sonata y Fantasía Polaca)

- "For Daniel" en 1993, un disco de jazz con composiciones propias, junto con Bogdan Kisiel (bajo), Janusz Ziomber (percusiones y batería), Jacek Krolik (guitarra), Bronek Duzy (trombón y piano), Zbigniew Malecki y Tadeusz Sudnik.

Al margen de la música propiamente clásica, ocasionalmente tocó con grupos de blues. También participó en el movimiento "Audio-Video Art", que surgió a mediados de los 80 en Silesia, agrupando escritores, pintores y músicos de vanguardia. Fue entonces cuando, con el vibrafonista Ulrik Zgraja formó un dúo de música vanguardista entorno al "teatro instrumental".

Como compositor, dedicó la gran mayoría de su producción al acordeón:

" 3-3-2" (1986). Editada por Intermusik Schmülling en 1988 y dedicada a Fermín Gurbindo. Es una obra para acordeón solo eminentemente rítmica basada en el obstinato que su título indica, solo interrumpido en la parte central de la obra (alternando 7/4 y 6/4 en el Scherzoso y en 2/4 y _ superpuestos en el Prestissimo possible). Es una obra que ha tenido una gran difusión, siendo muy interpretada en concursos de todo el mundo, por lo espectacular y virtuosa que resulta una buena interpretación de la misma. Se adapta muy bien al lenguaje propio del acordeón de teclado cromático, usando posiciones que transporta continuamente, lo que facilita en sumo grado su estudio. Requiere un esfuerzo físico considerable el trabajo del Bellow Shake que requiere la obra. Su duración aproximada es de 3`45``. Está grabada en el disco "Bogdan Precz Accordion" de 1991 por el propio Bogdan Precz como intérprete.

" Fantasía Polaca" (1987), ganadora del primer premio en el V Concurso Internacional de Composición para acordeón de Ancona (Italia) y obra obligada en el XXXVIII Trofeo Mundial de acordeón celebrado en Fontainebelau (Francia) en 1988. Es una obra neoromántica para acordeón solo, con un lenguaje tonal, que no tuvo continuidad en sus obras posteriores. Se puede interpretar en Bajos Convertor o Standard, ya que el autor incluye ambas versiones en la partitura. Está dedicada a Urszula e Jerzy Sieczka. Duración aproximada: 5`15``.Editada por Bérben en 1988. Está grabada en el disco "Bogdan Precz Accordion".

" Fusión" (1988) para acordeón y flauta

 "Sonata nº1" (1989). Para acordeón solo. Editada por Bérben. Se divide en 4 movimientos: I-Ballata, II-Canzona, III- Scherzo y IV- Rondó Finale. Es una obra muy densa y de gran extensión y dificultad, escrita expresamente para poder ser utilizada como obra cíclica en la primera fase de los concursos internacionales de acordeón más prestigiosos (debido a que en las décadas de los 80 y 90, era requisito imprescindible en la mayoría de ellas). También está grabada en el disco "Bogdan Precz Accordion". Ha sido interpretada entre otros por Idoia Otegi.

"Suite para niños nº1" (1989). Editada por Bérben. Al igual que en las otras 5 suites para niños para acordeón solo que escribió, trata de introducir a los jóvenes intérpretes en el lenguaje de la música contemporánea de un modo muy ameno y divertido para ellos. Son unas obras muy recomendables pedagógicamente para el trabajo con los alumnos y debido a ello y a la belleza de muchos de sus pasajes, son obras muy interpretadas tanto en conservatorios como en concursos de todo el mundo.

"Suite para niños nº2", "De otoño" (1990). Editada por Bérben. Dedicada a su profesor Edward Swiecki, está dividida en cuatro movimientos: 1-El jilguero triste (un Andantino en el que evoca a estos pájaros con continuos trinos), 2- En la Calesita (allegro, un juego rítmico muy interesante para trabajar el stereo entre los dos teclados), 3- Esperando a... (Moderato con un ritmo obstinato de corchea y dos semicorcheas, sobre el que va sonando la melodía principal) y 4- Jugando con las ardillas (un alegre allegro, ma non troppo).

"Preámbulo y Toccata" (1990). Para acordeón solo. Editada por Ópera Tres en 1991. Es una obra muy conocida dentro del repertorio para este instrumento. El Preámbulo es un movimiento lento, expresivo, que comienza con un cluster muy destacado, dejando paso a una melodía oscurecida por un pequeño cluster de tres notas en los agudos. Precz explora las posibilidades acústicas del instrumento, explorando un gran número de efectos, utilizando para ello una amplia gama de notación contemporánea. La Toccata es una obra muy rítmica, en compás de 7/8, donde el intérprete desarrolla todo su virtuosismo. Está grabada por Iñaki Dieguez en su disco "Collage" de 1997. Fue obra obligada en el Concurso Internacional de Acordeón "Villa de Arrasate". Entre sus intérpretes están Iñigo Aizpiolea, Iñaki Dieguez, Raquel Ruiz,...

"Tryphtongos" (1990) para orquesta sinfónica con acordeón.

"Suite para niños nº3" (1991). Editada por Bérben. Dedicada a Roser Palomero y Joan Crespo. Se divide en cuatro movimientos: 1- "Sueños" (un Lento, molto rubato e cantabile, con un vibrato ad libitum constante), 2- Travesura (un allegretto en staccatissimo efecto stereo), 3- Pequeño Coral (un muy íntimo Larguetto) y 4- Rondabile (un Allegro, con brio muy rítmico, considerablemente más difícil que el resto de la obra).

"Opowiesc starego lirnika" (1991)

"Concierto para acordeón y orquesta de cuerda" (1992) Basado en una orquestación de la Sonata nº2 para acordeón sólo, que terminaría de componer en 1993. Fue obra obligada de la 3ª fase de "Klingenthal Akkordeonwettbewerb, 1994", y fue interpretada por todos los finalistas de la categoría Senior de esa edición.

"6 estudios" (1993). 6 pequeñas piezas muy recomendables para trabajar distintos aspectos pedagógicos con los alumnos.

"15 Children songs" (1993). Obras pedagógicas para acordeón solo, de gran belleza, inspiradas en su hijo Daniel. Grabó la nº3 (2`18``), nº4 (2`37``), nº5 (1`17``), nº7 (1`33``), nº12 (4`50``) y nº15 (1`34``), en el disco "For Daniel" (editado por accordi/Hohner en 1994), interpretadas por el propio Bogdan.

"Acco-Duo", para dúo de acordeones. Se trata de un arreglo con  pocas variaciones formales respecto al original de su antes mencionada obra para acordeón sólo "3-3-2". Editada por Bérben en 1993.

"Sonata nº2" (1993). Para acordeón solo. Duración aproximada: 19`. Editada por Bérben y dedicada a Alexander Dimitriev. Finalizada en Cobeña el 26/11/1993. Es una obra de gran extensión (34 hojas tiene el original) y alto nivel de dificultad, dividida en 3 movimientos: 1- Allegro, 2- Adagietto y 3- Vivace. Ha sido interpretada entre otros por Fco. Javier López Jaso.

"Twelve in Four" (1994). Duración aproximada: 6`. Editada por Bérben. Es una toccata para acordeón sólo, donde combina magistralmente elementos del jazz con efectos sonoros propios del acordeón como el ricochet de tres golpes. Está grabada en el disco "Deia eta erantzun" de Fco. Javier López Jaso.

"Suite para niños nº4" (1995). Dedicada a su hijo Daniel. Dividida en 5 movimientos: 1- Jugando (un Scherzando en 5/8), 2- Pastoral (Lento, cantabile), 3- Primeras alegrías (un Giocoso 6/8), 4- Nana (Teneroso, subtitulada Splij Danielku mój...) y 5- Damabo (un Capriccioso muy rítmico). Editada en Bérben.

"Suite para niños nº5" (1995). Editada en Bérben y dedicada a Amaia Liceaga, Thierry Paillet e Iker Paillet. La finalizó en Cobeña el 10/01/1995 y está dividida en 4 movimientos: 1- Helada (un Allegretto en 3/8), 2- Paseo en Trineo (Allegro, Lieto, con continuo Bellow Shake, solo interrumpido en la parte central), 3- Suspiros (Lento, molto rubato) y 4- Danza Bucólica (Vivo con el que finaliza la composición).

"Cadenza" (1995). Para acordeón solo. Duración aproximada: 4`30``. Dedicada a Mika Vayrynen. En sus últimas composiciones Precz se deja seducir por la música aleatoria. Está compuesta por 23 motivos (que se pueden interpretar en el orden que el intérprete quiera) y una Coda. Cada motivo investiga diferentes posibilidades acústicas del acordeón, como todo tipo de clusters (combinándolos con diferentes dinámicas, registros, efectos,...tanto en glissandi como a modo de masas de sonido inertes), distorsiones de sonido (bend) en ambos teclados, todo tipo de efectos stereo y diálogos entre ambos teclados, contrastes entre tesituras y/o dinámicas extremas, efecto del aire (tratado con Vibrato,...), percusiones (en el fuelle, ...), Bellow Shake (regular, irregular, con ritmos irregulares,...), ricochet, notas y clusters con altura indeterminada,... Ha sido interpretada entre otros por Gorka Hermosa (en 1996), Aritz Berrostegieta, Raúl Martínez,...

"Painting music Joan Miró I, II y III" (1995). Para acordeón solo. En esta obra Precz parte de un cuadro de Joan Miró, para experimentar con la música aleatoria. La obra explora el cuadro de izquierda a derecha y asigna a cada uno de los 5 elementos que lo componen un motivo musical diferente. De este modo lo primero que aparece en el cuadro es el fondo (elemento A), evocado por un mi del pedal del teclado izquierdo, que al igual que el fondo, estará presente hasta el final de la obra. Lo siguiente que se percibe en el cuadro es un elemento de color claro a modo de cántaro (elemento B), que está en la parte superior del cuadro, finaliza a modo de un hilillo (elemento B1)a modo de líquido cayendo del cántaro. El motivo B empieza a sonar a los 15`` del inicio y se trata de un fragmento musical a interpretar en el teclado derecho. Un poco más a la derecha en la parte inferior del cuadro se superpone al elemento B una figura con forma de raqueta onírica (elemento C), en cuyo hueco central (situado más a la derecha del cuadro) hay una figura circular (elemento E).  El motivo C (a interpretar en el teclado izquierdo) empieza a sonar en el 1`20``, hacia el final del motivo B y sigue sonando cuando el B da paso al motivo B1 (un rápido y breve pasaje en fusas), 1`40``, después del cual, mientras el motivo C sigue aún, suena el motivo D1 (un motivo de 7 fusas que se repiten constantemente en el teclado derecho durante 1`), que entra en el 1`55``, y que evoca la cuerda de un cometa, que aparecerá más a la derecha del cuadro, hacia el minuto 2`55`` de la obra, en forma de estrella de 5 puntas a la que le falta la punta superior izquierda (elemento D), simbolizado por el motivo D, el cual se divide a su vez en 5 motivos que se pueden interpretar en el orden que el intérprete quiera en el teclado derecho. En el teclado izquierdo el motivo C da paso en 2`05`` al motivo E (constituido por tres grupos de 5 notas que el intérprete debe tocar en diferentes octavas, pulsaciones, orden, ritmo,...) para volver en el 2`15`` a hacer el motivo C, hasta el 2`30``. En el 3`05`` entra en el teclado izquierdo haciendo el motivo D2 (que simboliza una especie de vista lateral plana de la cometa que está situada en la parte inferior del cuadro: elemento D2), un fragmento de 1`20`` de duración que termina en 4`25``. Lo último que se escucha es la combinación de los 5 motivos de D, que dejan de sonar en el 4`35. De hay hasta el final (5`00``), solo se escuchara el pedal del motivo A, que aún seguirá sonando y que se extinguirá cuando nuestra vista haya llegado a la derecha del cuadro.

También escribió para otros instrumentos:

- AIR-AM (1987) para quinteto de viento

- Sinfonía (1989) para orquesta sinfónica

- Dyphtongos (1991) para orquesta de cuerda

- Sequenza (1991) para fagot

- Rondo-Tarantella (1991), para violín

Y música Jazz para acordeón, bajo, batería y percusiones, guitarra, trombón, piano, sheng,...:

- For Daniel (1993)

  - Birland

  - Stretch it

- Bloos

  - Alex funky

- Grafeld`s impression

- Blue Rondo a la Turk

PRIETO, CLAUDIO (1934- ) 66

Un compositor de indudable importancia, creciente a lo largo de su carrera, es sin duda el palentino de Muñeca de la Peña, Claudio Prieto (1934), formado en Madrid y El Escorial con Dorado y Rubio y posteriormente en Italia con Petrassi. LA línea primera de Prieto no se aparta de un estilo de carácter abstracto y constructivista, en la que pronto el serialismo integral deriva a procedimientos formales propios que van delimitando una producción valiosa y avanzada sin necesidad de apuntarse a la moda estética de cada año y capaz de establecer una comunicación intelectual y sensitiva con un auditor despierto. Ya las "Piezas para cuarteto de arcos" (1961) y los "Movimientos para violín y orquesta de cámara" (1962), o "Canto de Antonio Machado" (1962), para voz e instrumentos, obras todas ellas de la etapa italiana, dan prueba de una mentalidad rigurosa y creativa. Con "Contrastes" (1966), para orquesta, Prieto logra un interesante trabajo en el desarrollo de una formalística moderna, lo que continúa en "Oda XIV" (1967), sobre Horacio, para voz y conjunto. Con "Sonidos" (1968), para cuarteto, encontramos un mayor interés en la investigación del color instrumental. Eso se continúa, añadiendo un interesante concepto formal para la coordinación de los dos solistas, en "Solo a sos" (1968), para guitarra y flauta, una de sus obras más difundidas. "Al-Gamara" (1970), para gran conjunto, amplía este camino que se abre hacia el sentimiento lúdico formal y sonoro en "El juego de la música" (1971), para quinteto de viento, y en la obra orquestal "Libertas-Libertatis".

Una de sus obras más refinadas es "Nebulosa" (1972), para orquesta, cuyas consecuencias se hacen aún más sutiles y atractivas en "Catedral de Toledo" (1973), también para orquesta. Ese mismo año en "Sugerencia", para viola, "Juguetes", para piano, y especialmente en "Reflejos", para clarinete y cinta, especula con el mundo tímbrico. Ello y las posibilidades de diálogo están presentes en la "Fantasía para violoncello y piano" (1974), mientras en "Hechos de la Pasión" (1974), para voz y tres instrumentos, se abre hacia cominos expresivos derivados de lo anterior.

La "Sinfonía nº1" (1975), para coro y orquesta (la obra ganó en 1976 el Premio Internacional convocado con motivo del Centenario de Manuel de Falla), logra un universo constructivo y expresivo de gran fuerza, siendo una de las mejores obras de este compositor. Este mundo pasa al conjunto de cámara en "Arambol" (1976), pero el logro más refinado en este terreno es el "Concerto grosso I" (1977), para conjunto de cámara (obtuvo en 1977 el premio "Arpa de oro").

Con "Preludio de verano" (1977) logra una interesante obra para percusión y su investigación va ganando interés hasta lograr una hermosa cantata sobre Vicente Aleixandre en "Al poeta, al fuego, a la palabra" (1977). La "Sonata 1" (1977) para violín y piano, "Lim-79", la "Sonata 2" (1981), para clave, la "Sonata 3" (1981), para clave y piano, "Parodia" (1981) y el segundo quinteto de viento titulado "A veces" (1980) son consecuencias del camino anterior y van preparando un fuerte cambio de orientación.

En 1982 produce Prieto su "Sinfonía nº2", de gran libertad y considerable belleza, que obtuvo un gran éxito. Especialmente llamó la atención su segundo movimiento, básicamente para saxofón y arpa, con una nueva propuesta sobre la belleza sonora y un nuevo empleo de la tonalidad. Bien el convencimiento del propio autor, bien el éxito de la obra, produjeron un importante cambio estético en el compositor, que se ha dedicado después a investigar en esa dirección. Surgen así obras como "Pallantia" (1983), para orquesta, o el "Concierto nº2 para violín y orquesta", "Imaginante" (1984), también obra de éxito (Obtuvo en 1984 el Premio Reina Sofía de la Fundación Ferrer Salat). La tendencia se funde con ciertos elementos españoles en la "Serenata para laúdes" (1982) y en la obra coral "Españolías". Posteriormente acometerá el "Trió en sol" (1987), para trompeta y orquesta, que avanza par estos nuevos senderos con éxito en opinión de muchos y volviendo demasiado la cara atrás según otros. En medio está su orquestación al "Fandango de Soler" (1985) y, como obra más reciente, el "Concierto de amor" (1988), para violoncello y orquesta, que sigue en la línea adoptada en 1982.

Cualquiera que haya sido la línea estética en que se ha movido, lo que no se le puede negar a Prieto es imaginación, oficio y logros más que suficientes. Su actividad es de gran rigor y ha tenido mucha relevancia en su generación.

Ha escrito una obra para acordeón solo:

"Sonata 15, Imágenes de la memoria". La finalizó en Madrid en 1997 y fue estrenada por Ángel Luis Castaño en el "Festival de Alicante" de 1998. A pesar de lo que su nombre hace suponer, no está dividida en movimientos, pero se aprecian secciones muy diferenciadas, que se suceden sin pausa entre ellas.

Se inicia con una introducción "Libero, ma sempre lento" con el efecto del aire, sobre el que van entrando notas y luegos pequeños clusters. En la primera sección (en Tempo negra=66) ambos teclados se suceden con series de acordes que van acortándose, hasta llegar a la segunda sección ("Libero", de nuevo), donde se suceden pequeños clusters con vibrato y en Bellow Shake en rallentando, para volver a exponer los acordes de la primera sección a modo de largas notas. La tercera sección (negra=76) contrasta quintillos y seisillos de semicorcheas a grupos de 4 semicorcheas, para acelerar el ritmo en el "Piu Mosso". La cuarta sección el "Calmo" con trémolos de dos notas en el teclado derecho y pequeños clusters en stringendo en el izquierdo. La quinta sección (negra=72) es un obstinato de quintillos y seisillos, sobre el que suena una melodía en la mano izquierda; tras una breve respiración, la melodía pasa a la mano derecha mientras la izquierda le acompaña armónica y rítmicamente, subiendo la velocidad a negra=112, para finalizar un largo cluster en Bellow Shake. La sexta sección  (negra=88), nos presenta una melodía octavada en la mano derecha, mientras la izquierda hace un obstinato de corcheas, para más tarde pasar las dos manos a hacer un ritmo, marcando diferentes acordes cada vez más densos y rápidos, que acaban transformándose en rápidos clusters, que se van sucediendo en los teclados.

Tras una pequeña pausa, se inicia la 7ª sección (negra=72) con un obstinato de tresillos de corcheas (sobre el que se suceden acordes y posteriormente mordentes y seisillos), que pasa a ser de 4 semicorcheas, para desembocar toda la tensión en los últimos acordes de la sección, que se suceden cada vez de modo más lento, dando paso a la 8ª sección ("Lento"), en la que la mano derecha hace una bella melodía. La 9ª sección (negra=112), se inicia en f con clusters en la izquierda, sobre el que se sucede otra melodía, que luego pasará del teclado derecho al izquierdo, para dar paso a un largo pasaje en Bellow Shake en pp que desemboca en la 10ª sección (negra=66), llena de rápidos ritmos irregulares, mordentes y trinos en el teclado derecho, mientras el izquierdo, va desplegando clusters con distintas disposiciones. Finalmente toda la fuerza se va disipando para llegar a la última sección, que tras un "Calmo", lleno de grandes acordes, termina con una sucesión de partes "Mosso", con un cluster en glisandi y partes "Calmo", con largos acordes. La obra finaliza con un gran crescendo sobre el último acorde.

RAMOS MARTÍNEZ, JAVIER (1967- ) 67

Nació en Irún el 5 de Diciembre de 1967 pero desde los 18 meses ha vivido en Urretxu (Gipuzkoa). Es profesor Superior de acordeón y Licenciado en Ciencias de la Información.

De niño al escuchar a Enrike Zelaia quiso aprender a tocar el acordeón. Así estudió en Gipuzkoa con Maite Janeiro, Idoia Arregui, Miren Agurne Iñarga, Carlos Iturralde y Thierry Paillet en Gipuzkoa y con Eric Pisani en Le Thor (Francia). Después se preparó varios años con Max Bonnay y obtuvo el Diploma Superior en el Concurso Centralizado de la Villa de París.

Realizó los Cursos de Doctorado en la Universidad de Valladolid y la profesora Mª Antonia Virgili despertó en él el interés por el campo de la investigación en el campo de la música que aplicó al acordeón. Redactó la voz de acordeón en el "Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana" elaborado por la S.G.A.E. Ha publicado en la revista "Folklore", que dirige Joaquín Díaz un artículo sobre el "Origen y Evolución del Acordeón en España". En 1997 funda y desde entonces dirige la revista "Acordeón Siglo XXI", con 17 números publicados.

Ha estudiado Contrapunto y actualmente cursa Fuga con Pedro de Felipe en Pamplona, quien pretende orientarle hacia la composición.

Ha trabajado de Profesor de Música en la E.S.O. durante 5 años, pero es de Profesor de Acordeón como se siente como pez en el agua, disciplina que ha impartido en numerosos centros y en los tres últimos años en el Conservatorio "Pablo Sarasate" de Pamplona. A menudo acuden a él para preparar sus exámenes, alumnos de otras provincias y localidades del país.

A escrito una pieza para acordeón de bajos standard:

"Iseka". Para acordeón solo. Evoca por medio de un _ un valse mussette, al estilo de Richard Galliano, el dolor que se siente, tras un desengaño amoroso. Está Editada por Hauspoz. Fue obra obligada del "Festival Guipuzcoano de acordeón del 2001".

REQUENA Y SAIZ, JUAN 68

Publica un método de acordeón por cifra en 1886, titulado "Nuevo y sencillo método para tocar el acordeón de dos teclados", editado en Madrid, en el que incluye la siguiente advertencia: "Los pedidos de Métodos para acordeones, tanto de uno como de dos teclados, al autor, c/Barcelonina nº7 bajo, Valencia. Requena vivía en una calle donde existían varios talleres que se dedicaban a la reparación y construcción de acordeones; probablemente la relación con los dueños de dichos talleres le condujera a la elaboración de métodos.

Celestino Pérez García, en su "Suplemento al método completo para acordeón, sistema alemán y cromático, crónica acordeonística" de 1890, hace una crítica del citado método: "Lástima no disponer de más espacio para dar a conocer, en todos sus detalles, los dos "Métodos nuevos, completos y sencillísimos" de Don Juan Requena y Saiz, porque les aseguro que tienen miga y tela sobrada a pesar de las once varas que ya el Sr. Requena empleó en su camisa, para darle a su autor un poquito de jaqueca, que no había de curársela ni el café nervino, ni el célebre lápiz, ni tantos otros remedios como por ahí se anuncian y venden. Pero la cosa va tomando mucha extensión y es preciso abreviar. La parte explicativa en los métodos que nos ocupan tiene un tecnicismo musical que, ¡válganos las once mil vírgenes!, aquello es un aluvión para el que ya no paraguas, impermeable y botas de montar se hacen indispensable, y aún sí y todo no respondo de la mojadura.

"Posición y trato que debe darse al acordeón"

Éste es el encabezamiento de una explicación en que Don Juan nos habla de silla, taburete, introducción de manos y dedos por correas, muslo por aquí, muslo por allá y muslo por acullá. En resumen, que después de leer tanto desatino, queda uno exactamente igual que el negro del sermón.

"Existen dos pistones colocados bien a los lados de los demás bajos." -¿Se enteran ustedes? Pues sigo.-

"Bien en otras partes". –En el muslo, por ejemplo.-

"O bien una chapa." -¡Ay. Sr. Requena! ...pero sigamos.-

"El acordeón debe tenerse cuando no se use." –Ya lo saben ustedes-

"Cuando no se use, metido en una caja." –No dice si de madera, cartón o metálica, pues con el cuidado de encargar muy especialmente cuando no se use, se le escapó esta advertencia.-

"Siendo la primera operación que hay que hacer." –Ni los soldados rusos resisten a pie quieto este plomazo.-

"Qué hay que hacer al sacarlo, pisar el pistón." -¡Cuando yo decía que esto terminaba mal! ¿Pisar el pistón?- ¡Cualquiera se resiste, sabiendo que el tal pistón tiene fulminante y las páginas de sus libros una metralla capaz de volar todo un castillo de sentido común!

Malos son los anteriores métodos, pero éstos no tienen rival en lo de rematados. Música ni por el olor, no se consigue sacar en limpio absolutamente nada. En una palabra, señor Requena, se encuentra usted tan lejos del acordeonismo, como de un puesto de importancia en administración el barbero de mi lugar.

Por esta razón le dispenso la segunda consideración que hace en la página "Advertencias" del método para dos teclados, que por cierto no le ha salido de ahí, aludo a la cabeza, aunque bueno será advertirle, a mi vez, que en lo sucesivo cuide de no meterse en vedado. ¿Me entiende usted? Perfectamente."

RODRIGO, JOAQUÍN (1901- 1999) 69

Joaquín Rodrigo nace en Sagunto, el 22 de noviembre de 1901. Invidente desde los cinco años como consecuencia de una epidemia de difteria, su dedicación a la música está clara desde sus primeros años. En Valencia estudiará con Antich y López Chávarri, y sus comienzos y pertenencia generacional le acercan en cierta mediada a la Generación del 27 (Robert Gerhard, Rodolfo y Ernesto Halffter, Salvador Bacarisse,...). Sin embargo, no participa realmente en ella, puesto que prácticamente todos ellos residieron fuera de España entre 1927 y el final de la guerra. Antes, ya había dado una muestra de su talento con la obra orquestal "Juglares" (1924). Otra obra notable de este período es "Zarabanda lejana y villancico" (1930), para orquesta de cámara (que también tiene versiones para piano y para guitarra), y también puede anotarse un amplio poema sinfónico "Per la flor del lliri blau" (1934), de características neorrománticas y ciertos materiales valencianos.

Desde 1927 estudia en París con Paul Dukas, que le considerará como a uno de sus discípulos más dotados. Volverá brevemente en 1933 (para contraer matrimonio) y en 1934 (como profesor del Colegio de Ciegos de Madrid), pero ese mismo año regresará con una beca a París y pasará los años de la guerra entre Francia y Alemania, fijando su residencia en Madrid a mediados de 1939. Se puede decir que en estos años el estilo de Rodrigo ya está fijado. Nacionalismo, formas neoclásicas, sencillez armónica y orquestal que se reducirá aún más en los años siguientes, y una sonoridad superficial pero atractiva.

Su obra más definitoria es el "Concierto de Aranjuez" (1938-1939), para guitarra y orquesta. sin duda, una de las obras de más perdurable éxito de toda la música española. Compuesta en París, tiene tres movimientos de raíz nacionalista y forma clásica, los dos extremos de carácter rítmico español, el central acentuadamente melódico, con lucimiento del solista y acompañamiento discreto y sin grandes alardes orquestales.

El éxito de esta obra le llevó a ensayar una y otra vez la misma fórmula en otros conciertos, que no difieren esencialmente del Aranjuez, pero que no han llegado ni de lejos a la popularidad de éste.

A su vuelta a España Rodrigo dirige la sección musical de la Organización Nacional de Ciegos, es crítico de Pueblo y trabaja en Radio Nacional de España. Nace su única hija y a partir de 1947, se hará cargo de la cátedra de música "Manuel de Falla" de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Madrid. En 1942 gana el Premio Nacional de Música con el "Concierto heroico" para piano y orquesta, la primera obra bajo la fórmula del Aranjuez, una obra de más envergadura que ésta e inspirada en la contienda bélica. En 1943 vuelve a la fórmula, más cercana en proporciones y espíritu a su primer intento, con el "Concierto de estío", para violín y orquesta, una obra de carrera honorable, aunque ni de lejos se acerque a la del concierto guitarrístico, no siendo inferior a él. En 1949 vuelve a la carga con el violoncello como protagonista en el "Concierto galante" y en 1952 con el arpa en "Concierto Serenata". Esta última obra tiene ciertas citas expresas de la zarzuela, aunque es más lograda que otra posterior para la misma combinación de arpa y orquesta "Sones de Giralda" (1963).

Así las cosas, Rodrigo se atreve a volver al concierto guitarrístico con la "Fantasía para un gentilhombre" (1954), con la que logrará un nuevo éxito duradero aunque no tan grande como el de Aranjuez. Está basada en material temático de Gaspar Sanz. Esta refracción de obras clásicas españolas tendrá también éxito en los "Cuatro madrigales amatorios" (1947), sobre  piezas renacentistas de Juan Vázquez, y menor en la "Soleriana" (1953), sobre el Padre Soler.

En 1966 compone Rodrigo su "Concierto madrigal", para dos guitarras y orquesta. La sempiterna fórmula concertística se alarga aún en el "Concierto pastoral" (1978), para flauta muy virtuosa someramente acompañada, en el "Concierto divertimento" (1981), para violoncello y orquesta y en el "Concierto para una fiesta" también para guitarra y orquesta.

Fuera de la retahíla concertística, hay que mencionar en su producción orquestal "Ausencias de Dulcinea" (1948), con voces solistas, que tal vez sea una de sus obras más originales aunque no figure entre las más difundidas. Mencionaremos también otras obras como "Música para un jardín" (1957) y el poema "A la busca del más allá" (1976), en homenaje a los viajes espaciales.

 Rodrigo ha producido una desigual lista de piezas pianísticas, entre las que entresacaremos el vibrante "Preludio al gallo mañanero" (1926), "A l`ombre de Torre Bermeja" (1945) y "5 Sonatas de Castilla con toccata a modo de pregón" (1951). También es abundante su producción de canto y piano, en buena parte recogida en el "Album de canciones" (1934-1964), así como varios villancicos atractivos y el ciclo "Con Antonio Machado" (1972). También es nutrida la lista de obras para guitarra sola, entre las que mencionaremos "En los trigales" e "Invocación y danza en homenaje a Manuel de Falla" (1960).

La producción escénica y la religiosa de Rodrigo poseen menor relieve, pero entre las obras variadas aún habría que mencionar la "Música para un códice salmantino" (1953), para barítono, coro y orquesta. Ciertamente las ambiciones estéticas de Rodrigo no son enormes, pero ello no excluye el que su música tenga una personalidad indiscutible y su estilo sea reconocible inmediatamente. Él mismo reconoció que si sus miras son modestas no por ello son menos personales, al decir "puede que mi vaso sea pequeño, pero bebo en mi propio vaso". La propia definición del "Concierto de Aranjuez" como "ceñido como una verónica y alado como una mariposa" implica toda una proclamación de estética compositiva.

En 1960 compuso "Moto perpetuo" una obra para bandoneón, que fue editada en la editorial de obras del propio autor y financiada con fondos sinfónicos e la SGAE. Se estrenó, casi por casualidad: Mikel Bikondoa, Catedrático de acordeón del Conservatorio de San Sebastián, hizo una transcripción del "Concierto de Aranjuez" para guitarra y orquesta de acordeones y pidió permiso al compositor para estrenarla. Rodrigo, no se negó, pero hizo saber su preferencia sobre la interpretación de sus partituras para los mismos instrumentos para los que él escribió. Sin embargo, el compositor les mandó la partitura para bandoneón indicándoles que aún no se había estrenado y preguntando si se adaptaba bien al instrumento. Bikondoa le respondió era perfecta y que sería tocada sin necesidad de transcripción, ya que se ajustaba maravillosamente al instrumento. Finalmente ambas obras fueron estrenadas el 15 de diciembre de 1993 por el guitarrista Eduardo Baranzano y la "Orquesta de acordeones del Conservatorio de San Sebastián" (integrada por 62 acordeonistas) y por el acordeonista Josu Ubierna, respectivamente. Según la crítica de María José Cano de "El Diario Vasco" del 16/12/1993 "... La segunda parte del concierto la ocuparon las dos obras de Rodrigo, quien saludó en una grabación a la agrupación y al público. El estreno de su obra "Moto perpetuo" breve pero de gran dificultad, estuvo magistral en la interpretación de Josu Ubierna. El "Concierto de Aranjuez" arreglado por Bikondoa para orquesta de acordeones, estuvo bien en las manos de Eduardo Baranzano a quien no acompañó la orquesta, ya que su director tuvo problemas para conjuntar a los instrumentistas." Según Bikondoa "Moto Perpetuo" "es una obra muy virtuosa, melódica y de gran belleza expresiva, dentro de la línea de lo que es la trayectoria del maestro Rodrigo: una música que llega mucho a quien la escucha".

RODRIGUEZ MARQUEZ, TOMÁS (1900- ) 70

Nació en 1900 en Málaga. Estudió piano, armonía, composición y dirección de orquesta, perfeccionó sus estudios de acordeón en París. En 1930 creó el "Instituto Mozart" para la enseñanza del acordeón en Argel, creando ramificaciones de esta institución en Marsella, Lyon y París, sucesivamente hasta que el 27 de Septiembre de 1939 traslada el "Instituto Mozart" a Barcelona, primero a la calle Diputación y desde 1944 en la calle Vergara. En 1942 empiezan las audiciones anuales de fin de curso del instituto. Desde 1946 inicia los cursos de Solfeo, Teoría y acordeón por correspondencia. En 1948 funda las "Ediciones Mozart" donde distribuía publicaciones extranjeras en España y editaba transcripciones de grandes maestros de la música para acordeón y algunas obras escritas en España para acordeón  que supusieron el primer repertorio para el "acordeonismo patrio", como a él le gustaba llamarlo.

En 1950 Tomás Rodríguez Márquez fue cofundador de la "Asociación Nacional Española de Acordeonistas" (A.N.E.A.) de la que fue el primer presidente. Tomás Rodríguez fue delegado español en la "IV Copa Mundial de Acordeón de 1951" organizada por la "Confederación Internacional de Acordeón", asociación que abandonó para ser partícipe de la fundación de la "Confederación Mundial del Acordeón" (C.M.A.) en 1951, junto con acordeonistas como Pietro Deiro, Charles Magnante, Joe Bibiano, Adrian Dante, Gervasio Marcosignori o Wolmer Beltrami. En 1955 sería elegido como Presidente de dicha organización.

También en 1951 Tomás Rodríguez fue el organizador del "I Campeonato de Cataluña" el 30 de marzo y del "I Campeonato Nacional de España" el 27 de abril, ambos en la "Sala Mozart" en este último resultó ganador (o "campeón", como ellos los llamaban) Manuel Yaben de Hernani (Gipuzkoa). Los siguientes en lograr el galardón fueron José Palamós, de Castellón en 1952 y Joaquín Gomar, de Barcelona en 1953.

En 1952 fundó "El acordeonista", revista mensual dedicada al acordeón que se editó hasta 1962.

También en 1952 contrató para dar clases en el instituto al destacado concertista italiano Moreno Volpini (1929-), lo cual mejoraría notablemente el nivel de los alumnos más destacados del instituto. Escribió  también 4 fascículos de técnica acordeonística, además de algunas obras de música ligera para acordeón.

Escribió un método para acordeón y 4 fascículos de técnica acordeonística, además de algunas piezas de música ligera para acordeón.

"Curso completo de acordeón piano por correspondencia" (1948): Manual que se vendía por correspondencia, para aprender a tocar el acordeón. Fue el segundo en publicarse en España, tras el método que A. Almonacid, había publicado en la editorial Boileau. "Los textos de estos cursos, están desarrollados de manera que, siendo claros y sencillos para el principiante que se inicia en los rudimentos del arte, le llevan gradualmente al completo conocimiento teórico y al virtuosismo instrumental".

"Técnica acordeonística" (1954): Según explica el propio autor en el prefacio de la obra: "Generalmente no se da la importancia que el estudio de las escalas como es realidad merece, considerando que una vez que se han ejecutado todas las escalas Mayores y Menores no es necesario volver a practicarlas.

Se ha de tener en cuenta que el estudio de todas las escalas abarca el mecanismo principal del instrumento y el conocimiento práctico de la estructura de todas las tonalidades.

La base fundamental de una buena técnica consiste precisamente en el estudio continuado de las escalas.

Difícilmente se puede llegar a obtener una perfecta igualdad en la ejecución, lo mismo en lo que respecta a los valores como en la sonoridad, así como en la igualdad de la fuerza de los dedos, y su independencia, si no se practican las escalas diariamente.

Por consiguiente, hemos creído necesario confeccionar y ordenar este importante estudio en tres fascículos, que encuadernados por separado agrupan el Grado elemental, Grado Superior y Grado Virtuosismo.

A todos los estudiantes que deseen superarse y perfeccionarse en la técnica del instrumento, aconsejamos la práctica diaria de las escalas.

¿Por qué los mejores acordeonistas han alcanzado la popularidad conquistando a los públicos con su exquisito arte?¿Cuál ha sido su secreto para lograr el éxito? ¡ Su secreto ha sido el dominio de la técnica!

"I fascículo": Al comenzar sus estudios de Acordeón practicaban antes de cada ejercicio las Escalas y Arpegios. Sus dedos respondían paulatinamente con mayor perfección a sus deseos. Se lograba un extraordinario dominio de la digitación. Las piezas eran luego más fáciles. ¡Los aplausos son unánimes! Contiene escalas mayores y menores en una octava, en dos octavas. Arpegios Mayores y menores en una octava, en dos octavas. Arpegios Mayores y menores en sostenidos con bemoles. Escalas y estudio en Sol M, Re M, LA M, MiM, Si M, Fa# M,...

"II fascículo": Continuaron después con ejercicios de mayor dificultad, que exigían mucha precisión y control. En la interpretación de partituras, habían desaparecido las dificultades que antes parecían insuperables. Este era el resultado práctico del estudio. ¡Ahora, en lugar de un sacrificio, era un placer una pieza nueva! Contiene Escalas mayores y menores en terceras y en sextas, combinadas con las dos manos, escalas en movimiento contrario. Arpegios mayores y menores en movimiento contrario, escalas enlazadas con las dos manos, escalas mayores y menores en terceras en una y en dos octavas.

"III fascículo": Se destacaron entre los demás por la limpieza de sus ejecuciones, el dominio que ostentaban del instrumento; en fin, por su neta superioridad. Vencieron en Concursos y Campeonatos. Prosiguieron siempre sus ejercicios de Escalas y Arpegios, sin creer nunca que sabían demasiado. ¡Fueron virtuosos! Contiene arpegios de séptima dominante y disminuida, sin inversiones. Escala cromática con las dos manos y en sentido contrario. Escalas mayores y menores en sextas. Escalas cromáticas en sextas mayores y menores. Escalas mayores, menores y cromáticas en octavas. Escalas mayores y menores en terceras (las dos manos iguales). Escalas cromáticas en terceras mayores y menores (las dos manos). Escalas en sextas mayores y menores (las dos manos iguales). Escalas cromáticas en sextas mayores y menores (las dos manos iguales),...

"IV fascículo": Los bajos representan una de las más interesantes partes en la enseñanza del acordeón, tanto por su sencillez como por la belleza que imprime a las partituras cuando el acordeonista los domina. Todos los que desean triunfar en el acordeonismo precisan estudiar cuidadosamente los bajos.

Contiene una primera parte con ejercicios con los acordes mayores, menores, de séptima dominante y de séptima de sensible, cambio de bajos, escala diatónica de Do M,... Una segunda parte con ejercicios de escalas mayores y menores y arpegios mayores, menores, de séptima dominante y séptima disminuida. Una tercera parte don ejercicios de acompañamiento del pasodoble, vals, tango, fox-trot, marcha, slow, Java, Sardana, One-Step, Mazurca, Habanera, Schotis, Polka, danzón, Rumba, Bolero, Conga, Beguine, Samba, Guaracha, Son, Bugui rápido, Mambo y Baiao y una cuarta parte con escalas cromáticas, mayores y menores en terceras y sextas.

Entre sus piezas para acordeón solo de bajos standard más conocidas están: La sirena (marcha), Cloclo (Pasodoble),  Los tres pinos (vals infantil), Rocío (Tango-variación), Carmencilla (Pasodoble)  y  Pañuelito azul (Ranchera) todas ellas editadas en 1952 por la Editorial Mozart. También escribió junto con Louis Lunazzi "Preludio en Sol M" editado por la misma editorial en 1953.

ROMO, RUFINO (1904 -1985) 71

Este compositor toledano es un caso particularmente revelador de las circunstancias de la posguerra española. Formado en el Conservatorio de Madrid y compositivamente con Antonio Sardá, comenzó a componer tardíamente tras las circunstancias de la Guerra Civil y la posguerra. Los que han conocido su música le reconocen un sólido oficio y abundancia de ideas musicales. Pese a ello y a ser autor de cantatas, suites, poemas y nada menos que diecisiete sinfonías (un récord en la música española, al menos en el siglo XX), prácticamente no consiguió estrenar nada y su obra permanece absolutamente desconocida.

Escribió una obra utilizando el acordeón:

"Olas del Segura", es un vals editado por ANVISÁN en 1951 para acordeón 2 saxofones, trompeta y violines.